浅析中国电子音乐创作的艺术特征.docVIP

浅析中国电子音乐创作的艺术特征 　　电子音乐在中国的发展比西方发达国家大约滞后四十年左右的时间，这使得中国的电子音乐创作在一开始就越过了西方带有实验性质的“具体音乐”阶段，体现出传统性、民族性、人文性的新特征。比如，我们常常能够从中国电子音乐作品找到传统乐器的影子，如琵琶、古筝、竹笛等等，其中就隐含着电子音乐同民族传统的关系。此外，我国作为一个多民族国家，带有“原生态”性质的、丰富多彩的民族民间音乐也常常成为电子音乐创作的重要素材。再者，受儒释道等传统文化的影响，中国电子音乐创作者们还试图通过现代电子技术传达出传统文化中的人文内涵和美学追求。据此，本文选取近年来的代表性作品来分析中国电子音乐的创作特征，总结经验，以期为我国电子音乐创作的未来发展提供参考。 　　一、 《江雪》：传统与现代的交融 　　中国电子音乐起步于 20 世纪 80 年代，其中一个标志性事件是 1984 年 9 月 24 在中央音乐学院举办的一场探索性的电子音乐会。当时共演出了谭盾的《游园惊梦》《三月》、陈怡的《吹打》、陈远林的《女娲补天》等 8 首作品。由于对电子音乐的概念缺乏明确的认识，这 8 首作品形态各异、技术手段不一，表现出明显的实验性。进入 90 年代之后，中国的电子音乐创作开始逐步走向成熟，形成了较好的创作态势。其中，许舒亚为长笛与电子音乐而作的《太一 II》、张小夫的电子音乐组曲《不同空间的对话 I，II》(1992-1993)是最早在国际电子音乐比赛中获奖的作品。随后出现的重要作品还有，贾国平的《梅》(1995)，唐建平的电子音乐《我回来了》(1996)，朱践耳的第十交响曲《江雪》---为吟唱与古琴(录音带)和大型管弦乐队(1998 年)，等等。在上述提到的几部作品中，一个普遍存在的现象就是传统器乐或声乐的运用。这个现象说明，中国电子音乐从起步阶段就和传统音乐具有千丝万缕的联系，传统音乐中的器乐以古琴最具有代表性、而传统声乐则以京剧唱腔最为典型。因此，下面笔者选择同时运用了上述两种元素的作品《江雪》为例，来说明作曲家们是如何通过电子技术实现传统与现代之融合的。 　　朱践耳先生的《江雪》采用了当时比较常见的磁带录音技术，其中的录音磁带为先期录制而成，而乐队表演则采用现场演奏的形式。这种磁带录音与管弦乐队组合的形式在 90 年代比较具有代表性。具体来看， 《江雪》所采用的录音磁带可以分为两层：第一层为人声层，作曲家以唐代诗人柳宗元的五言绝句《江雪》为歌词，用吟、诵、唱相结合的方式构成了人声音响，人声层的演唱者为我国著名京剧表演艺术家尚长荣。第二层录音磁带为古琴层，演奏者是古琴演奏家龚一先生，演奏所用的是宋代名为“春雷”的古琴，音乐材料来自于古琴曲《梅花三弄》。 ① 作曲家将上述两层录音音响进行叠加合成就构成了“创作音响录音”磁带。 　　那么，如何实现具有传统音乐特点的录音音响与现代交响乐的有效对接呢?作曲家进行了深入思考：首先在作曲方法上，为了使交响乐队的演奏体现出浓郁的“中国风”，作曲家创造性地借鉴了十二音序列作曲方法，专门为这首作品设计了一套“五声性十二音序列”，贯穿全曲的核心四音组 C-D-G-A具有明显的民族五声风格，保证了交响乐部分与录音音响在风格上的统一性。其次，为使古琴演奏与交响乐队所使用的十二音序列相近，古琴本身采用了独特的定弦方式。作曲家将古琴七弦中两个重复音 C、D 做了“慢一”、紧二”处理，从而使古琴能够真正演奏出七个音。这样一来，古琴便可同时采用上述四音序列和《梅花三弄》主题贯穿全曲，在表现狂放豪情和深远意境的同时，也和交响乐队的演奏融为一体。 　　可以看出，作曲家虽然采用了录音磁带与现场表演相配合的形式，但所采用的录音并非是现成的作品，而是根据音乐的选材和立意重新创作的，人声层的演唱者和古琴层的演奏者也都经过了精心安排与斟酌。这种设计在保留中国传统器乐和声乐作品独特“韵味”的基础上，借助电子技术实现了同现代音乐创作的有效融合。虽然《江雪》并不是严格意义上的电子音乐作品(介于电子音乐和现代交响乐之间)，但是这部作品在传统音乐和电子技术的运用上却十分具有代表性，它借助电子技术手段实现了“传统”与“现代”的结合，从技术手段和文化诉求两个方面彰显了中国电子音乐创作的“传统性”特征。 　　二、 《地图》：民族与世界的对话 　　进入 21 世纪之后，中国电子音乐创作进入了全面发展的新阶段，作曲家们已经不再满足于传统器乐和戏曲音乐，而是将目光拓展到了更加丰富多彩的民族民间音乐上，多样化、多元化的民族音乐和民族风格成为 21 世纪头十年中国电子音乐创作的典型特征。这一时期的代表性作品有：刘思军为马头琴、蒙古族女声和电子音乐而作的《呼伦湖的背影》(2004)、周佼佼的多