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美国迈克尔·肯纳梦幻风光摄影解析 关于英国摄影家肯纳(Michael Kenna，1953— )的介绍，这些年在中国可谓是家喻户晓。然而当我拿到他的这本画册《第七天的影像》，还是忍不住想介绍给大家。 　　迈克尔-肯纳作品 　　肯纳可以看成为上个世纪50到60年代稳定不变的北欧摄影的一个异数。在他出生和长大的地方，光线总是处于一种灰色的影调，从柔和的灰色到暴风雨的浓密灰色，从而让他所看到的风景总是处于戏剧化的空间。这就是地中海地区典型的光线，已经塑造了人们的视觉感受，从而为探索摄影的可能奠定了独特的基础。当然更重要的是，肯纳可以通过惊人的还原力，将这样一种华丽的氛围通过他的照片展现给我们。 　　更有意思的是，不管是在阿布扎比、加州还是埃及，他所创造的画面始终保留一种恒定不变的光线氛围和情感特征，似乎摄影家将这些元素装进了自己的摄影包，带到了那里，释放出他想要的那个世界。 　　迈克尔-肯纳作品 　　面对这样一种独特的审美追求，摄影家的控制相对画家来说要难很多。相对那些后纪实摄影或者新画意摄影的摄影家来说，他更胜一筹的是，不是凭借偶然的机遇挑战现实，而是以坚韧的目光始终不渝地展现世界的稳定性。 　　同时，如果从他的风景摄影的构图角度出发考虑，也是一件很特别有意思的事情。他所感兴趣的，并非是新奇独特的、前所未有的让人震惊的视点。不管是旧金山大桥，基奥普斯金字塔，还是复活岛上的雕塑，我们也都可以从以往的摄影家的镜头中看到相同的选择，包括空间和主题。但是肯纳的作品更有其不可抹去的哲学特征，或者说是心理学上的氛围。这样一种独特的心理氛围可以让我们明白无误地联想到19世纪后期欧洲风景画家和雕刻家——没有强烈的直射的阳光，沐浴在令人昏睡的、置人于死地的光线中。这样的一种完美的控制能力和结构空间，足以让肯纳进入大师的行列。 　　迈克尔-肯纳作品 　　桑德罗?帕米杰亚尼是这样评述的： 　　《创世纪》中是这样说的：上帝在第七天完成了对世界的创造，于是他休息了：上帝也需要一个安息日。然而观看肯纳的这些作品，为什么也会联想到“安息日”这个词汇或许这词汇中会有某种神秘的意味因为我第一次看到他的作品，就十分喜欢，就像是面对一个缓慢深呼吸的世界，让流逝的时间慢慢扩展开来，似乎整个地球都被笼罩在静默之间。其实我们都生活在匆忙之中，不知不觉忽略了身边值得欣赏的景观，丧失了对生命最本质的领悟。然而肯纳给我们带来了他的作品，画面中没有人，不会因为某张脸或某个身躯分散我们的注意力，仅仅是纯净的线条，耸立的丛林或树木，构成了多样化的对比：从坚硬到柔和，从光线到阴影，逐渐散开的雾隐藏了什么，又揭示了什么。或者是柔和的白雪，构成了戏剧化的空间，包括岩石的构成，岛屿，海岸，凝固的水浪。换句话说，肯纳对人类生存状态的直接纪实或者描述并不感兴趣，但是沿着画面中深深浅浅的痕迹，我们发现他隐藏在后面，延伸穿越整个世界的轨迹。 　　迈克尔-肯纳作品 　　肯纳的兴趣在于引领我们从某种意义上说的探索，穿越田野，走过长长的人迹罕到的道路，漫游在白雪或迷雾中，到达一个对他而言的神秘之地，在一个不同寻常的视角向我们展开。肯纳的影像其实就是让我们展开想象的翅膀，感受一个未被人类开发的、纯净而原始的自然。这是一片终年沐浴着古典光芒的土地，属于过去的时代，也可能从过去指向未来。 　　回顾摄影史，我们也许可以简单地将肯纳的作品归入画意主义的传统。这一传统起源于19世纪中期，式微于20世纪初，其目的主要是将摄影从传统的机械记录的偏见中解脱出来，释放在艺术的领域。然而当时的画意摄影，主要技巧就是使用特殊的镜头，或者多底合成，从不同的角度模仿绘画的样式。而就肯纳而言，他力求通过对瞬间几乎间歇性的张力把握，强调一种特殊的氛围，从一个他所创造的特殊角度力图摆脱平庸。换句话说，他的摄影语言具有非常纯粹的艺术特征，具有确切的情感冲击力，甚至多愁善感的魔力。当然这一切也源于他年轻时代对绘画的热爱，并且最终将绘画的热情转向了他以为更容易把握的摄影。所以从严格的意义上说，他并没有放弃绘画，只是选择了不同的工具，也就是照相机，代替了传统的画笔。 ?　　迈克尔-肯纳作品 　　肯纳的影像具有两部分重要的特征，那就是幻象的构成和意外的揭示。也就是说，一切对于我们来说都好像是未知的，但是一旦看到这些被肯纳提炼出来的影像之后，却又发现好像是非常熟悉的。然后画面独特的构成又像是从宗教的角度揭示了世界核心的秘密，经过精粹的提炼，成为世界已经失落的挽歌，似乎只有从影像中才可能赎回——这实际上就成了一次“情感教育”，有能力渗透到每个人灵魂中。 　　如果说肯纳的作品是基于氛围的营造和灵性的启迪，旨在激发我们视觉和心灵深处的东西，那么我们就必须站在一个独特的位置观看，摆脱一切既有的陈词滥调或陈规旧俗——不仅是摄影的，包括绘画的影响。我