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关注钢琴教学中的“声”“色”“情” 　　摘要:钢琴教学是一个永久不衰的话题,但是,不论运用怎样的教学方法,我们学习音乐的目的是相同的。因此,将音乐内含的“声”“色”“情”灌注到我们的钢琴教学中,具有重要的意义。 　　关键词:钢琴教学;声音;色彩;情感 　　 　　近年来,钢琴教学方法一直是众多音乐工作者讨论的热门话题,如何打破传统的教学模式,解除单一、机械的教学方法的束缚,也就成为人们关注的焦点。不管是何种方式方法,我们不应该忘记的是:我们所教与学的重点是音乐,钢琴只是传播音乐的中介。它能以独具特色和丰富的表现力将音乐动情演绎,但是抛弃音乐将目光聚焦在钢琴演奏上,那肯定是反其道而行的。所以,钢琴教与学还是要回归到“音乐”这一根本问题上来,我们就从“声”“色”“情”这几个方面来说一下。 　　一、“声”――音乐是声音的艺术 　　音乐是声音的艺术,音乐是听觉的艺术,这是人尽皆知的,但人们大部分是把音乐作为一个欣赏对象的时候才会想到,在日常钢琴学习中好像却与之大相径庭。钢琴学习的过程总是被严格的手型、手指训练、技巧要求所占据,学生对自己的演奏充耳不闻,钢琴学习似乎变成了“无声”的教学,更何来“艺术的声音”。 　　涅高兹曾经说过:“声音就是音乐的素材本身,声音悦耳动听,就能把音乐大大的提高。”因此,在教学中,教师从一开始就应当使音乐听觉训练与技术训练并重,使学生更早、更直接的去感受声音,这就要求教师在教学中要引导学生去听。例如,从学生一接触钢琴起,我们就要求手型规范,掌关节要立住,手臂放松,指尖结实等等,其实最终的目的就是要通过这些手段弹奏出明亮、饱满、圆润的声音,使钢琴达到它最好的共鸣,一切要求都是以声音的好坏为衡量的标准。因此,在教学中要引导学生听听自己弹奏的声音,使学生能够感受到不同声音的音质和音色上的区别,使他们对声音有所感触。 　　学生在练习的时候,同样需要充分利用自己的听觉进入到有声的世界。学生在自己练习的时候,很容易注意到节奏、音符、速度、力度等等要求,但是,最容易忽视的就是自己弹奏的声音。教师的任务是引导学生拥有鉴别声音的能力,而学生也应以此为起点来衡量自己的弹奏,指导自己的练习。要清楚自己需要什么样的声音,这种音质怎样才能获得,尤其是简单的技术练习的时候,更应该将声音放在第一位。霍夫曼说:“倾听我们自己的演奏是所有音乐演奏的基础……”学生在演奏时,能够成为一个认真的演奏者,但很难成为一个客观的旁听者,也就无法听出自己弹奏的音乐、声音存在什么问题。在练习时,比较好的办法就是把自己的弹奏录下来听,可能会发现很多问题,但是最根本的办法是在弹奏或练习的同时,要做一个旁观的听者,倾听自己的演奏,以“听”作为检验弹奏的标准,用“听”来指导自己的弹奏,使“听”成为一种习惯甚至是享受。 　　我们所说的“听”也不只是限于听自己的弹奏,同样要听其他人的演奏,尤其是一些优秀的钢琴大师的演奏。通过聆听他们的演奏,我们能慢慢了解,他们是如何巧妙地处理分句的,他们是如何精彩的运用踏板的,他们又是如何准确地拿捏和表现不同风格的乐曲的,尤其是要倾听他们在钢琴上所塑造出来的充满灵性、精美绝伦、让人回味无穷的优美音色。通过欣赏大师的演奏,可以使学生获得高水平的鉴赏能力,尤其是对声音的鉴别能力,那么,学习中,学生会对自己的弹奏有更明确的标准,也真正会有“声”的伴随。 　　二、“色”――音乐与绘画是相互交融的 　　音乐与绘画虽同属于艺术门类,但一个是通过音响诉诸于听觉,一个是通过线条和色彩诉诸于视觉,看起来有着本质上的区别。但是,在现实的艺术生活中,人们却很容易将它们联系在一起。当听到一首乐曲时,有时会感到它简直就像是一幅迷人的风景画;当看到一幅绘画作品是,充满动感的线条和明亮的色彩又会让人不觉仿佛听到一首节奏明快的乐曲。不管是音乐还是绘画,它们都是表达人们心灵深处最微妙的情绪变化和最复杂的情感体验,这也足以说明音乐和绘画是可以相互渗透、相互影响的。有的音乐家说:“声音是听的见的色彩,色彩是看的见的声音。”当然,我们这里说的“色”不仅仅是指色彩、颜色,它同样包含绘画所能描绘出的线条、色彩和生动的形象。 　　穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》,就是作曲家出于对其亡友画家哈特曼的个人画展所获灵感所写。在第六分曲《两个犹太人,一个穷一个富》中作曲家用一个深沉稳健,带有冲击力的节奏的主题出现在低音区,描绘了一位趾高气扬的富人;而用另外一个慌张、忙乱,节奏细碎带有退缩感的主题在高音区出现,描绘出了一位胆小心虚的穷人,让听众真的能感受到逼真的画面就在眼前浮现。这是少数直接取材于绘画的音乐作品的特例,但也证明,音乐是能够描绘出线条,色彩和画面的。德彪西充分运用和声色彩的变化和钢琴特有的性能表达了他对光与影的瞬间感受,他就像是一位能自如运用音乐调色板的