文学与绘画的关系.pptVIP

中世纪（476—15世纪）的漫长时期，处于古典文明的结束与复兴之间。很多人认为中世纪艺术怪诞、迷惑，甚至贬为丑恶，也有人认为此间艺术丰富，反映出了东方文化，希腊罗马文化及蛮族文化的融合。中世纪基督教占主要地位，于是图画也为之服务。 文艺复兴时期，新兴资产阶级力图复兴古典文化，并通过学习古典的途径创造了新文化，从古典艺术中领悟到现实主义的表现方法，强调人性崇高与身心的全面完美，创作了真实完美的人物形象和生动丰富的现实情景。在造型艺术方面，以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法等，从而使它得以达到古典艺术之后一个新的高峰。 绘画中的“文学性” 1、对文学性叙事题材的青睐。无论东西方，早期绘画多取材于文学作品。从古希腊神话故事到基督教圣经故事，从《荷马史诗》到但丁、歌德等人的文学作品，画家们从中找到了无尽的素材，即便是表现现实生活社会事件的作品，也有着很强的情节性。 2、以写实手法为主的绘画形式。传统的写实主义从最初的“追随自然”到盛期的精确表现自然，都类似于文学中的“叙事状物”。 绘画写实性的发展 古希腊哲学家赫拉克利特说：“绘画混合白色和黑色、黄色和红色的颜料，描绘出酷似原物的形象。”至此，第一次提出“艺术模仿自然”的说法。 苏格拉底第一次把“塑造”一词用于雕刻，提出了“传神”论；柏拉图要求绘画“模仿事物的本质”，提出了“形式美”的概念；亚里士多德则主张绘画不应按照事物本来的样子去模仿，而要按照事物应有的样子去模仿。 受到模仿论的影响，人们开始注意到了物象上的明暗光影的存在。随着人们对光影的认识，以及维泰洛透视学理论的出现，到了文艺复兴时期，开始对色彩、线条、光影的运用。 至此，历经几个世纪的演变，写实主义表现方法和对情节性叙事题材的经营，使绘画中的“文学性”逐步发达起来，并走向成熟。 同西方绘画的发展历程一样，中国绘画也经历了一个“文学性”的发展过程。早期，在中国，绘画内容多带神秘色彩，取材于各种神话故事，描绘天地、山川之神，古代圣贤之像。带有明显的叙事性。 直到东晋的顾恺之开始，才出现了直接反映人的主题的绘画作品，而且绘画作品如《洛神赋图》就直接取材于文字作品。但《洛神赋图》仍然以飘忽不定的洛神形象把人的感情寄托在可望而不可及的神的身上。 中国画一直沿着以形写神、形神兼备的方向发展，不以美为最高标准，而以善为最高境界，追求尽善尽美。而古希腊则以美为造型艺术的最高准则，一切都要为美让路。中国画富装饰性、表现性，不强调表现三维空间效果，不追求外表的逼真肖似。 在唐代，就出现了文学与绘画的审美性的结合——文人诗。唐代绘画上以山水画为主要题材，追求一种“画巾有诗”的意境。大诗人王维以诗人画，被后世奉为文人画的鼻祖。苏东坡评论王维的作品：“味摩洁诗，诗中有画，观摩洁之画，画中有诗。” 文人画“抒情寄兴，状物言态，不完全拘泥于形似格法，多数水墨写意，爱画梅竹，以表现高洁品格。中国绘画由此踏入新的历程。文人学士的绘画，表现对象一般是崇高的，技法用笔熟练，追求主观意趣，崇尚笔墨、形式的趣味，苏东坡评论王维的作品：“味摩洁诗，诗中有画，观摩洁之画，画中有诗。”此时的画中诗已不是客观现实的真实再现或是对诗的演绎，如果说其中有诗意，那是绘画自身流露出来的，它有点象诗，但到底是绘画。文人画的兴盛，因写意逐步发展，形成了中国绘画的主要特征。 文学和绘画，作为两种独立的艺术形式，它们有一个共同的领域：“诗”的领域，也就是抒情的领域。抒情本来就是绘画和文学都具有的特质。这些意味深长的肖像、静物、风景作品，颇具文学意味。虽然不象叙事性绘画那样从文学作品中借来要描绘的内容，但它直接描绘自然并超越自然，通过对画面的经营使之产生诗意，产生“文学性”意蕴，其意蕴来源于绘画写实主义的表现手法。 现代时期的绘画 随着现代艺术在西方的崛起，一反以往极度推崇而变成极度贬低写实主义，否定绘画中“文学性”而追求抛弃物象的绘画语言自身的独立。现代派的出现表明写实主义并不是唯一的表现方式，而是一种有效且有限的表现方式，绘画中的“文学性”是可以而且应该要超越的。 “自印象派以来，艺术家的思想不断环绕着艺术手段的自由，特殊规律性及纯结性等问题，它们要其作品从叙述性，思想性、寓意性的一切预先安排好的意义内容中解脱出来。最后，也从对立的自然界的描述中解脱出来，对于色彩的纯粹画意的使用，摆脱了物质的材料性，把画面从它和立体及透视表现的纠缠中分割出来……” 现代绘画 自律性 绘画的关系和色彩本身就有独特价值，凡不属于它自身的东西也就