吴湘云生生不息-探索不止.docxVIP

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吴湘云生生不息，探索不止

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王晓睿

吴湘云是一位有灵性的艺术家，在她的心中万物皆有灵，不管是动物、植物，哪怕是一个影子，都是富有生命的。因此，她时常遇到很多惊喜，那是初遇工笔画的喜悦；是观看不同流派作品的新奇；是欣赏舞蹈、戏剧的感动……凡此种种不断点燃她的创作激情，让她在艺术道路上不停地尝试、探索。当她站在二十多层楼高的画室中俯瞰着眼前的城市，生命的体验和曾经的尝试都化作笔下生命链条的一部分。它们来源于一个起点，又归结于此——对生命的虔诚信仰，对艺术的无比热爱。世间万物生生不息，艺术创作永不停止，这是一位艺术家最完美的状态。

艺术汇：谈谈你不同时期的创作。是否受到中国传统绘画或者西方某些绘画风格的影响？

吴湘云：我从20世纪70年代开始接触到绘画，一直学习素描、色彩、中国画和陶瓷，那个时候就特别喜欢工笔画。80年代在南京艺术学院的时候，除了学素描色彩，还跟李长白先生学习了工笔画的历史渊源和技法，以及独幅画的创作过程。之后经常在南京艺术学院的图书馆资料室看中国绘画历代画册、历代书法，虽然只是大致浏览，但是也找到了自己偏爱的风格，比如宋元的花乌画，以及东山魁夷、平山郁夫、加山又造等日本艺术家的作品，他们的画既富亲切感又有新意。后来目光转移到了西方绘画，看到了印象派、立体派、超现实派，以及文艺复兴的艺术等等。当我看到古代的宗教祭坛画，喜爱之情顿生。撇开绘画的宗教涵义，整个画面安宁祥和，技法稚拙，画者的状态也特别笃定。然后喜欢上了卢梭的绘画，被他自由天然的熱情所感染，画了一个时期这种风格的画。之后又沉迷于雷尼-玛格丽特、德尔奥、马克思恩斯特和达利的超现实主义风格，我在上个世纪90年代的创作明显受到影响，比如《场景》系列，就带着梦幻的意味，还有对空间和时间的多元呈现。

艺术汇：但是你已经把二者相互融合，在你的作品中既可以捕捉到中国传统绘画的神韵，整个画面展现在眼前又是非常现代的，你是怎么处理传统和现代的关系。让二者在画面之中完美结合？

吴湘云：我最早接触绘画就是从中国画开始，它的用线造型、颜料材质、透视方法，以及高远、平远、深远这些观察事物的方式像基因一样融入了我的创作，即使我后来用墨彩、油彩画画，以现代的观念来结构画面，传统绘画的某些因素都会自然融入其中。回头看来，我的创作之路也是一直在传统和现代之间挣扎，有时偏这边，有时偏那边。直到后来，我不再把传统和现代当中不可调和的矛盾，而是可以随意化用其中的元素来创造。

艺术汇：从你作品的细节来看，似乎能窥探到某些动物、植物的形态，每个图式又处于亦幻亦真、虚虚实实的状态，特别是2014年左右的作品《生命的界分和链接》系列中，首尾相续的众多图式构成了整个画面。给人以延绵不绝之感。为何选择这样的表达方式？

吴湘云：我的画室安居于二十几层的高楼，坐在画室中，时常可以看到大雨纷纷、烟岚雾霭、晨起日落……不同的季节和风景都通过这扇窗在眼前一一展现；从画室往下俯瞰，可以看到桥梁、马路上来来往往的人群和车辆，目光向远处延伸，则高矮不一的楼房剪影构成了城市的天际线。这让我不禁对城市的属性、功能以及人与人的关系产生了思考。在我看来，城市是一个链接场，每个人的日常生活都处是网中的一个“链接点”。我们每天都要接触到交通、通讯、网络、商业、教育……在城市中，每个人都是网络中的一环，互相依存、互相链接。生活在其中的人们其实比其他任何时候都紧密，那种“孤独感”也在这份亲密中得以消解。

之前在给《古林白描日志》画图的时候，与植物的近距离接触，让我感觉到人与大自然的关系也是互相依存的。这种关系被“人类中心”论掩盖。特别在中国，随着经济的高速发展和城市的不断兴起，我们根本无暇顾及人和自然的关系，只是一味而又无度地向自然索取。我们破坏了人和自然之间长久以来的和谐相处之道，如果一直这么下去，很可能会在某个时刻毁于一旦。这种关系让我感到深深的不安，于是在2008年的某一天，我在纸上无意识画画的时候，笔下不由自主地出现了自然界中动物和植物的链接图，之后的几年一直在画《生命的界分和链接》系列。

艺术汇：在访谈中，你曾提到以前的作品比较具象、写实。而现在的作品则脱离了现实的枷锁，往想像世界前进了一步。能否谈谈前后转变的契机和过程？

吴湘云：在20世纪80年代，我的创作以写实花乌画为主，到了90年代末21世纪初跳到了超现实风格，处在试图摆脱中国传统图式的过程中，力求以多元化的构图来表现当代人的视觉特点。现代科技让我们不再局限于自然的山水地貌和社会的人情世故，它引领我们从更广阔的视野来观察空间，以更微观的角度去看事物，因此我们的思考也和前人大不相同，个人的表达风格也比前人更加广阔。即便如此，面对着中外众多大师的成就在前，想要另辟蹊径找一条属于自己的小路确实很难，难到要跳江的地步。不过很幸运的是，自2008年的《链接》系列